Lukisan monokrom: fitur, contoh

2024 Pengarang: Leah Sherlock | [email protected]. Terakhir diubah: 2023-12-17 05:39

Artis telah lama mencatat bahwa warna dapat digunakan untuk membangkitkan respons emosional yang kuat pada orang. Seniman seperti Van Gogh terinspirasi oleh hal ini untuk menciptakan mahakarya yang penuh dengan banyak warna. Namun, artis lain berpikir sebaliknya. Mereka berusaha keras untuk menciptakan sebuah mahakarya dengan hanya menggunakan satu warna.

Definisi

Lukisan monokrom adalah karya seni lukis yang hanya menggunakan satu warna. Sebenarnya, kata "monokrom" secara harfiah berarti "satu warna". Ini adalah pendekatan seni yang berbeda, namun digunakan jauh lebih luas daripada yang dipikirkan kebanyakan orang.

Teknik

Bagaimana sebuah lukisan dibuat jika hanya satu warna yang digunakan? Kuncinya adalah, misalnya, biru dan hijau adalah warna yang berbeda, tetapi biru tua dan cyan tidak berbeda; mereka hanya nuansa warna yang sama. Putih dapat ditambahkan ke warna dasar, membuatnya lebih terang. Secara teoritis, ini dapat dilanjutkan sampai hampir putih bersih tercapai. Pada saat yang sama, warnanya bisa digelapkan dengan menambahkan warna hitam. Demikian para senimandapat melukis seluruh gambar, yang terdiri dari garis, elemen, dan bentuk dalam berbagai corak, yang secara teknis merupakan lukisan dalam satu warna.

Mengapa menggunakan teknik melukis monokrom

Artis tahu seberapa dalam warna tercermin dalam emosi manusia. Lukisan monokromatik telah menjadi cara ampuh untuk memancing pengalaman pribadi yang mendalam, lebih lanjut mendorong seniman untuk mengeksplorasi emosi dan spiritualitas melalui seni monokrom.

Artis mengurangi palet warna mereka karena berbagai alasan, tetapi kebanyakan ini adalah cara untuk memfokuskan perhatian pemirsa pada subjek, konsep, atau teknik tertentu. Tanpa semua kerumitan bekerja dalam warna, menjadi mungkin untuk bereksperimen dengan bentuk, tekstur, makna simbolis.

Lukisan monokrom dalam warna hitam, putih dan abu-abu disebut juga grisaille.

Pengembangan Arah

Karya seni Barat paling awal yang masih ada yang dibuat di grisaille dibuat pada Abad Pertengahan. Mereka dirancang untuk menghilangkan semua gangguan dan memfokuskan pikiran. Saat warna menyelimuti kehidupan sehari-hari, hitam dan putih dapat menandakan transisi ke dunia lain atau memiliki konteks spiritual.

Bagi sebagian orang, warna adalah buah terlarang dan dilarang oleh perintah agama yang mempraktikkan suatu bentuk asketisme estetika. Misalnya, kaca patri dalam teknik grisaille diciptakan oleh para biarawan Cistercian pada abad ke-12 sebagai alternatif jendela gereja yang terang, dengan kaca tembus pandangnya.panel keabu-abuan, dengan gambar terkadang dicat hitam dan kuning. Berpenampilan ringan dan elegan, kisi-kisi jendela kaca mendapatkan popularitas di luar tatanan dan akhirnya menjadi model di banyak gereja Prancis.

Penelitian cahaya dan bayangan

Sejak abad ke-15, para seniman melukis hitam putih untuk mengatasi tantangan yang ditimbulkan oleh subjek dan komposisi yang mereka gambarkan. Penghapusan warna memungkinkan seniman untuk fokus pada bagaimana cahaya dan bayangan jatuh pada permukaan sosok, objek, atau pemandangan sebelum pindah ke kanvas penuh warna.

Lukisan Grisail

Semakin, lukisan di grisaille mulai muncul sebagai karya seni mandiri.

Saint Barbara karya Jan van Eyck (1437, Royal Museum of Fine Arts Antwerp) adalah contoh paling awal yang diketahui dari karya monokrom pada panel yang dicat dengan tinta dan minyak India.

Selama berabad-abad, para seniman menantang diri mereka sendiri untuk meniru tampilan pahatan batu dalam lukisan. Eropa Utara menyukai elemen dekoratif ilusi seperti lukisan dinding dekoratif dan plester pahatan. Keberhasilan terbesar dalam latihan ini dicapai oleh seniman Jacob de Wit. Karyanya dapat dengan mudah disalahartikan sebagai relief dinding tiga dimensi.

Abstraksi

Seniman abstrak sering beralih ke lukisan monokrom. Ketika artis memiliki akses ke segala kemungkinannuansa, kurangnya warna bisa lebih mengejutkan atau menggugah pikiran. Pada tahun 1915, seniman Kievan Kazimir Malevich melukis versi pertama dari Lapangan Hitam revolusionernya dan mengumumkan bahwa itu adalah awal dari jenis seni non-representasional baru. Karya Josef Albers, Ellsworth Kelly, Frank Stella dan Cy Tumbley menggambarkan penggunaan warna minimal untuk dampak maksimal.

Artis yang tertarik dengan teori warna dan efek psikologis warna (atau ketiadaannya) memanipulasi cahaya, ruang, dan rona untuk membangkitkan respons tertentu dari pemirsa.

lukisan tinta

Seni jenis ini memungkinkan seniman untuk membuat area kontras yang menonjol. Dalam kebanyakan kasus, lukisan tinta adalah aplikasi tinta hitam ke permukaan putih, menghasilkan kontras ini. Untuk membuat transisi yang diperlukan saat shading, metode penerapan beberapa lapisan digunakan. Metode tersebut mencakup, misalnya, berbagai jenis penetasan.

lukisan monokrom Jepang

Seni jenis ini berasal dari China. Dalam konteks budaya, filosofis dan artistik inilah lukisan monokrom lahir.

Dari semua seni di Cina, lukisan adalah yang paling penting, mengungkapkan rahasia alam semesta. Ini didasarkan pada filosofi dasar, Taoisme, yang memaparkan konsep kosmologi, nasib manusia, dan hubungan antara manusia dan alam semesta dengan jelas.

Lukisan adalah penerapan filosofi ini karena menembus misteri alam semesta.

Dalam tradisiLukisan Cina memiliki empat subjek utama yang pada dasarnya sama dalam lukisan Jepang: pemandangan alam, potret, burung dan binatang, bunga dan pohon.

Di Jepang, selama era Kamakura (1192-1333), kekuasaan direbut oleh prajurit (samurai). Di era ini, berkat ziarah para biksu ke China dan perdagangan mereka di sana, sejumlah besar lukisan dibawa ke Jepang. Fakta ini sangat mempengaruhi para seniman yang bekerja di kuil-kuil yang ditugaskan oleh pelindung dan kolektor seni (shogun).

Impor tidak hanya mengilhami perubahan materi pelajaran, tetapi juga mempromosikan penggunaan warna yang inovatif: yamato-e (lukisan gulir panjang abad ke-9-10) digantikan oleh teknik monokrom Tiongkok.

Karya luar biasa dari para master dan pelukis Buddhis yang hebat dari dinasti Tang dan Song, lukisan yang ditulis dengan tinta hitam Cina, disebut suibok-ga atau sumi-e di Jepang (akhir abad ke-13). Gaya lukisan ini awalnya dimonopoli oleh penganut Buddha Zen dan kemudian diadopsi oleh para biksu dan seniman yang diilhami oleh semangat ini, dan untuk waktu yang lama lukisan tinta hitam dan lukisan Zen (Zenga) praktis tidak dapat dipisahkan.

Master sumi terbesar pada periode ini adalah Sesshu Toyo (1420-1506), seorang biksu dari Kyoto yang belajar melukis dengan tinta di Tiongkok. Sesshu adalah satu-satunya seniman yang mengasimilasi dasar filosofis dari jenis lukisan ini dan mewujudkannya dengan semangat asli dalam tema Jepang dan bahasa artistik, serta dalam kaitannya dengan representasi spasial Cina.artis saat itu.